Mens tradisjonelle westernfilmer ofte presenterte en tydelig moralsk kamp mellom «white hat»-helten og «black hat»-skurken, introduserte spaghettiwestern en grov, kynisk og stilig nytolkning av grenselandet. Denne undersjangeren, som kom fra Italia på 1960-tallet, byttet den klassiske amerikanske idealismen mot moralsk tvetydige antihelter og operavold.
Klassiske amerikanske grensefilmer som vektlegger heltemot, åpenbar skjebne og det klare skillet mellom godt og ondt.
Stiliserte, voldelige westernfilmer produsert av italienske filmskapere, ofte filmet i Spanias ørkener.
| Funksjon | Tradisjonelle westernfilmer | Spaghettiwestern |
|---|---|---|
| Opprinnelse | USA (Hollywood) | Italia / Europa |
| Moralsk tone | Tydelig / Idealistisk | Tvetydig / kynisk |
| Filmsted | Amerikansk sørvest | Spania (Almería) og Italia |
| Hovedperson | Advokat / Edel helt | Leiesoldat / Antihelt |
| Visuell stil | Klassiske vidvinkelbilder | Ekstreme nærbilder og kinetisk redigering |
| Dialog | Betydelig / Plottdrevet | Minimal / Økonomisk |
| Lydspor | Tradisjonelt orkester | Eksperimentell / Operatisk |
Tradisjonelle westernfilmer var ofte bygget på myten om den amerikanske grensen som et sted der sivilisasjonen seiret over villskap. Spaghettiwesternene derimot skildret en verden der alle var en gråtone. Det fantes sjelden et samfunn verdt å redde; i stedet fokuserte historiene på individer som overlevde i et hardt, støvete landskap der den eneste loven var hastigheten på ens trekk.
Hollywood-westernfilmer foretrakk «master shot», som viste frem landskapets storhet for å understreke omfanget av eventyret. Spaghettiwestern revolusjonerte filmens visuelle språk ved å sette massive vidvinkelbilder opp mot plutselige, ekstreme nærbilder av en skuespillers svette ansikt eller mysende øyne. Dette skapte en spenningsfylt, klaustrofobisk atmosfære som fikk de avsluttende skuddvekslingene til å føles som operaforestillinger med høy innsats.
En særegen teknisk forskjell ligger i lyden. Klassiske westernfilmer ble filmet med synkronisert lyd på settet. Spaghettiwesternfilmer ble imidlertid ofte filmet «lydløse» med internasjonale rollebesetninger som snakket sine morsmål. Dialogen ble senere dubbet til engelsk eller italiensk i etterproduksjonen, og det er derfor leppesynkroniseringen i disse filmene ofte virker litt rar for moderne seere.
Tradisjonell vestlig musikk hørtes ofte ut som en patriotisk parade eller en mild folkesang. Spaghettiwesterns forandret det lydmessige landskapet i filmer for alltid gjennom komponister som Ennio Morricone. Ved å bruke en prærieulvs hyl, en jødes harpe og svevende operavstemning, ble musikken en karakter i seg selv, og forsterket den emosjonelle intensiteten i scenen langt utover det tradisjonelle strykere kunne oppnå.
Spaghettiwesterns var lavbudsjetts «søppel»-filmer.
Selv om mange ble produsert billig, hadde mesterverkene i sjangeren (som «Once Upon a Time in the West») enorme budsjetter, intrikate scenografier og noe av den mest sofistikerte filmfotograferingen i filmhistorien.
Alle westernfilmer er satt i USA.
Selv om historiene finner sted i USA eller Mexico, ble nesten alle spaghettiwesternene filmet i Tabernas-ørkenen i Spania eller på forskjellige steder rundt om i Italia fordi de lignet det amerikanske vesten.
John Wayne og Clint Eastwood er i bunn og grunn samme type helt.
De representerer splittelsen i sjangeren. Waynes karakterer hadde vanligvis et merke eller en pliktfølelse; Eastwoods karakterer var ofte motivert av gull og brydde seg ikke så mye om loven med mindre det passet dem.
Begrepet «spaghettiwestern» var alltid et kompliment.
Det var opprinnelig et nedsettende begrep brukt av amerikanske kritikere for å avfeie disse filmene som billige, utenlandske imitasjoner. Det var ikke før senere at begrepet ble omfavnet som et tegn på en spesifikk, kunstnerisk stil.
Velg en tradisjonell western hvis du ønsker en klassisk, trøstende fortelling om heltemot og en nasjons fødsel. Velg en spaghettiwestern hvis du foretrekker en stilig, rå og moralsk kompleks historie med ikonisk musikk og spennende konfrontasjoner.
Mens 2D-filmer representerer den klassiske, vinduslignende kinoopplevelsen som bruker lys og farger for å antyde dybde på en flat overflate, bruker 3D-filmer stereoskopisk teknologi for å fysisk projisere bilder inn i kinorommet. Å velge mellom dem innebærer å veie den rene, uforfalskede visuelle klarheten i 2D mot den oppslukende, sensoriske spenningen ved 3D-dybde.
Mens høyoktanige stunt og spennende sekvenser definerer begge sjangrene, fokuserer actionfilmer vanligvis på intens fysisk konflikt og umiddelbar kamp innenfor en spesifikk setting. I motsetning til dette prioriterer eventyrfilmer en storslått reise, utforskning av det ukjente og en hovedpersons personlige vekst på tvers av enorme, ofte eksotiske landskap og utfordrende miljøer.
Mens studiofilmer prioriterer bred appell og kommersiell suksess gjennom etablerte formler, fungerer auteurfilmer som et lerret for en regissørs unike kreative visjon. Å forstå spenningen mellom disse to verdenene hjelper kinogjengere å sette pris på forskjellen mellom en polert global storfilm og et intimt, enkeltstående kunstverk.
Selv om begge sjangrene deler en lignende visuell grammatikk, befinner de seg i motsatte ender av sannhetsspekteret. Dokumentarer streber etter å fange virkeligheten, utdanne seere eller kjempe for sosial endring gjennom faktiske bevis. I motsetning til dette bruker mockumentarer «utseendet og følelsen» til en dokumentar for å parodiere subjektene sine, og bruker satire og manusbasert komedie for å underholde samtidig som de kritiserer virkelige troper.
Denne filmatiske arketypen utforsker den usikre balansen mellom et normalt hjem i forstedene og en voldelig, begravd kriminell fortid. Spenningen oppstår når en hovedperson forsøker å beskytte sine kjære fra konsekvensene av sitt tidligere liv, og skaper en narrativ dragkamp mellom ønsket om forløsning og uunngåeligheten av ens sanne natur.
